Àbadakone | Feu continuel | Continuous Fire | Musée des beaux-arts du Canada

Interdépendance, continuité et activation
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Trois concepts clés unissent les œuvres d’Àbadakone:

L’interdépendance est l’idée selon laquelle nous sommes en relation avec tout ce qui se trouve sur terre. Il s’agit d’un concept fondamental qui sous-tend les conceptions autochtones du monde.
La continuité est le fil rouge qui traverse les générations et les histoires, et qui unit nos avenirs.
L’activation a trait à la présence, à la façon dont l’artiste anime un espace, un objet ou une idée par la performance, la vidéo ou l’engagement du spectateur.

Comme le montrent les artistes d’Àbadakone, ces trois concepts – qui rejoignent tous des préoccupations majeures de notre époque sur les plans écologique, social et politique – continuent de faire partie intégrante des pratiques artistiques issues des cultures autochtones.

Vernissage de l'exposition
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Le 7 novembre 2019, le Musée des beaux-arts du Canada inaugure l’exposition Àbadakone | Continuous Fire | Feu continuel lors d’une soirée inoubliable. Plus de 50 artistes de l’exposition, venant de partout dans le monde, se joignent à 3600 hôtes dans le Grand Hall Banque Scotia bondé. Il s’agit du plus grand vernissage dans l’histoire du Musée. Faites l’expérience de cette effervescence grâce à cette vidéo, qui reproduit la joyeuse célébration de l’art contemporain indigène.

Àbadakone | Feu continuel | Continuous Fire – Vernissage de l'exposition

Ce que signifie
Àbadakone
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Dans la langue algonquine, le mot Àbadakone se traduit par « feu continuel » en français.

Dans le prolongement de la métaphore du feu allumée par Sakahán en 2013, le titre Àbadakone a été proposé par le comité des aînés pour la langue de la Première Nation Kitigan Zibi Anishinabeg, qui a estimé que son allusion au feu qui continue à brûler en chaque artiste en ferait un titre approprié pour la seconde présentation de cette série d’expositions en cours sur l’art indigène de partout dans le monde.

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Galerie virtuelle
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Eji Ekidòmagak “Àbadakone”

Ked eji ganawenindàgwak màmawe nitam wàbandahidiwin “Sakahan” Mikinàk-minitigong o-wàbandahidìwigamigong kà oshki wàbandahigàdeg 2013, eji ekidòmagak “Sakahan”, Kejeyàdizidjig kì mino mandjiwowag “Àbadakone” kidji wewenind ijinikàdeg iyo nìjin wàbandahidiwin wàbanda- hiwewàdj Anishinàbeg o-mazhinabìhige kaye wìyagi-kwenàdjichiganan.

Kà-ànikenamawindjig Cobàd (Stella Chabot), Kìshkànakwad (Earl McGregor) ashidj Pien Kìwekwad (Gà-ganawàbandang Ishkode), Kitigàn Zìbìng wendjibàdjig wìndimàgeg iye “Ishkode” kichi kije manidowan ondje Anishinàbeg, ashidj àbidad apìch mino-chìsakenàniwang. Mì dash eta, wàbandaman Wìyagi-kwenàdjichigan ashidj Anishinàbeg gà mazinabìhige kaye wìyagi-kwenàdjichigewàdj tedibà-Akìng, Keyeyàdizidjig mandjiwowag kàn chìsakewizinon, mì eta ondje pepejig Anishinàbe “o-Pìndàgina-Ishkodemiwàn”.

Kìshkànakwad kì ijinam ondje “Àbadakone” wàbandahidiwin. Ogì wàbandahiwen wàbandahidìwigamigong. Eji ànikanòtamàgedj Anishinàbe mazinabìhige kaye wìyagi-kwenàdjichigedjig tedibà-Akìng màmawe o-wìyagi-kwenàdjichigewaniwàn wendji “Àbadakoneg” wenzikàg o-mindonenindjiganiwàng, odeyiniwàng ashidj wendjibàwàdj.

– Kitigàn Zibi Pimàdjiwowigamig

The Meaning Behind Àbadakone | Continuous Fire

In keeping with the National Gallery of Canada’s first exhibition Sakahàn – presented in 2013 – which means “lighting a fire,” the elders from Kitigan Zibi Anishinabeg community felt that Àbadakone – “the fire continues to burn” – is an appropriate title for the second exhibition showcasing Indigenous Art from around the world.

Language Committee members Cobàd (Stella Chabot), Kìshkànakwad (Earl McGregor) and Pien Kìwekwad, also a Sacred Fire Keeper, from Kitigan Zibi Anishinabeg explain that fire is sacred and spiritual to the Anishinàbe people, and is used in ceremonies. However, looking at the art and the Indigenous artists from all around world, the elders feel that Àbadakone is not in ceremony but in each individual’s Internal Flame.

Kìshkànakwad had a vision for the Àbadakone exhibition. He presented his idea to the Gallery. His interpretation is: Indigenous Artists from around the world with their artwork for which “the fire continues to burn” from their minds, hearts and communities.

– Kitigan Zibi Anishinabeg Cultural Centre

Barry Ace

Anishinabé. Né en 1958, M'Chigeeng (Ontario), Canada
Vit et travaille à Ottawa (Ontario), Canada

Nigik Makizinan – mocassins en loutre, 2014

chaussures, fourrure de loutre, velours, composants électroniques, poils de porc-épic synthétiques, peau de chevreuil, feutre synthétique, perles en cuivre et clochettes en laiton. Musée des beaux-arts du Canada. Acheté en 2017 © Barry Ace Photo : MBAC

Les Indiens des Plaines du Sud ont coutume de disposer des « effaceurs de traces » sur leurs mocassins pour faire disparaitre, un pas après l’autre, les empreintes de celui qui les porte. Ici richement décorés par Ace, ces dispositifs évoquent les préoccupations contemporaines sur nos « empreintes numériques ». Dans cette œuvre, les perles et les composants électroniques des motifs floraux anishinabes s’allient à des matériaux naturels et synthétiques. Ace conjugue ainsi les pratiques culturelles traditionnelles acquises dans son enfance et les références à la plus récente technologie numérique.

Zanele Muholi

Zouloue. Née en 1972, Umlazi, Kwazulu, Afrique du Sud
Vit et travaille à Johannesbourg, Afrique du Sud

MaID I, Syracuse NY, 2015, de la série Somnyama Ngonyama,

de la série Somnyama Ngonyama, épreuves à la gélatine argentique. © Zanele Muholi, avec l’autorisation de l’artiste, Yancey Richardson, New York, et Stevenson Cape Town / Johannesburg Photo: MBAC

Le « militantisme visuel » de Muholi explore les poncifs de la représentation à travers l’esthétique photographique afin de créer un espace de reconnaissance queer pour les Sud-Africaines noires. Le titre de cette œuvre se rapporte au concept MaID (« Mon Identité ») ou, si on lit différemment, à l’épithète péjorative maid [servante] coiffant les femmes noires qui occupent des positions subalternes en Afrique du Sud. Comme beaucoup d’œuvres de Muholi, cet autoportrait perspicace et provocant conteste les images réductrices perpétuées à l’égard de la communauté noire.

Lisa Hageman Yahgujanaas

Haïda. Née en 1972 à Vancouver (Colombie-Britannique), Canada
Vit et travaille à Haida Gwaii (Colombie-Britannique), Canada

Il pleut de l’or, 2012–17

laine de mouton et feuille d’or. Affaires mondiales Canada – Collection d’arts visuels © Lisa Hageman Yahgujanaas Photo : MBAC

Dans ce tissage imposant, l’artiste brode ses motifs contemporains de manière a ce qu’ils s’intègrent harmonieusement aux modèles de robes ancestrales. C’est a la fois une méditation sur la force de l’esprit de communauté dans la culture haida et un rappel de l’importance du travail collectif dans un contexte mondial. Les motifs, à la fois impressionnants et complexes, rendent hommage a l’eau de Haida Gwaii. Ils rappellent les pluies nourricières, les rivières, les ruisseaux et les océans qui, selon l’artiste, « nous relient tous ».

Evgeniy Salinder

Nenets. Né en 1981, Salekhard, Sibérie
Vit et travaille à Salekhard, Sibérie

Nageur (Auto-portrait), 2017

bois d’élan et teinture. Evgeniy Salinder et indiGem Inc. © Evgeniy Salinder Photo : MBAC

Les figurines de Salinder représentent une page lointaine, mais essentielle de l’histoire. Elles incarnent le peuple sikhirtya qui occupait jadis le territoire ou vivent aujourd’hui les Nenets, dans le nord de la Sibérie. Le cuir et l’os servant leur parure évoquent à la fois l’inclination légendaire des Sikhirtya pour l’artisanat et les outils relatifs à leurs pratiques culturelles, tel le lasso qu’ils utilisaient dans l’élevage des rennes. Les cercles et les petits trous qui émaillent ces figurines créent un agencement harmonieux.

Will Wilson

Diné (Navajo). Né en 1969, San Francisco (Californie), États-Unis
Vit et travaille à Santa Fe (Nouveau-Mexique), États-Unis

Soldat impérial K’ómoks (Andy Everson), citoyen de la Première Nation K’ómoks, 2017

de la série Photographie autochtone collaborative et critique : dᶻidᶻəlalič [Seattle], 2012–2018, épreuve au jet d’encre à partir d’une plaque au collodion humide numérisée (éd. 1/3). Collection de l’artiste © Will Wilson Photo : MBAC

Comme dans beaucoup d’œuvres de sa série CIPX (Critical Indigenous Photographic Exchange), Wilson emploie des procédés et de l’équipement photographiques laborieux datant de la fin du XIX^e et du début du XX^e siècle pour créer des images qu’il convertit ensuite en fichiers et épreuves numériques. Ici, le sujet, Andy Everson, est représenté en costume traditionnel kwakwaka’wakw. En le considérant de plus près, on remarque qu’il porte un casque de soldat impérial de La Guerre des étoiles, soigneusement couvert de motifs kwakwaka’wakw.

Leonce Raphael Agbodjélou

Goun. Né en 1965, Porto-Novo, Benin
Vit et travaille à Porto-Novo, Benin

Sans titre, 2013

de la série Musclemen , épreuve à développement chromogène. Musée des beaux-arts du Canada. Acheté en 2017 © Leonce Raphael Agbodjélou, avec l’autorisation de Jack Bell Gallery Photo : MBAC

Agbodjelou est un important photographe béninois établi à Porto-Novo, une ville ayant autrefois servi de porte d’entrée au commerce transatlantique des esclaves. Dans la série Musclemen, des adeptes locaux du culturisme de compétition posent avec un air de bravade toute théâtrale qui contraste avec les accessoires floraux et les tissus décoratifs de leurs vêtements et de la toile de fond. Cette photo, qui fait partie du corpus Citoyens de Porto-Novo, reflète et subvertit les représentations de la masculinité africaine dans le portrait de studio.

Pierre Aupilardjuk

Inuit. Né en 1961, Naujaat (Repulse Bay) [Territoires du Nord-Ouest], Canada
Vit et travaille à Kangiqliniq (Rankin Inlet) [Nunavut], Canada

Donner sans recevoir, 2016

Aupilardjuk intègre son savoir inuit et son histoire familiale dans ses céramiques. Celle-ci s’inspire d’un événement vécu par sa famille : après qu’un prêtre leur a pris leur qulliq (lampe à l’huile de phoque utilisée pour le chauffage et la cuisson) sans rien leur donner en retour, ses parents sont presque morts de faim. Les bras tendus où repose la lampe en question contrastent étrangement avec la main géante qui émerge du personnage comme pour se saisir de quelque chose. Source de tensions, les rapports coloniaux opposent les différentes visions du monde ici suggérées.

Siwa Mgoboza

Hlubi. Né en 1993, Cape Town, Afrique du Sud
Vit et travaille à Johannesbourg, Afrique du Sud

L’ultrarayon, 2017

tissu isiShweshwe (coton Three Cats), perles de verre, tulle et fil de coton. Musée des beaux-arts du Canada. Acheté en 2020 © Siwa Mgoboza, avec l’autorisation de la Matter Gallery Photo : MBAC

L’ultrarayon fait partie du monde fictif et utopique de l’« Africadia » de Mgoboza. Ces tissus richement décorés de motifs venus de l’Inde par les routes commerciales hollandaises ont été introduits en Afrique par les colons allemands. Ils servaient traditionnellement de parure aux femmes. « Africadia » subvertit ainsi la notion de binarité et invite à une lecture fluide de la race, du genre, de la classe et de la nation.

Vidéos en vedette
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Tribal Women Artists Cooperative – Maintenir les traditions

Àbadakone – Qu’est ce que l’art de la performance

Qu’est-ce que l’art performance?

Ikumagialiit [Ceux qui ont besoin du feu]

Sayo Ogasawara – la préservation de la langue et de nos traditions culturelles

Sayo Ogasawara – La préservation de la langue et de nos traditions culturelles

Hannah Claus – Un lien avec le spectateur

Mata Aho – Les histoires des femmes

Joar Nango - Un espace de socialisation

Joar Nango – Un espace de socialisation

Jordan Bennett – Sous les étoiles

Jordan Bennett – Sous les étoiles

Les artistes exposants sont :
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Barry Ace • Brian Adams • Leonce Raphael Agbodjélou • Joi T. Arcand • Shuvinai Ashoona • Pierre Aupilardjuk • Pierre Aupilardjuk et Shary Boyle • Rebecca Belmore • Jordan Bennett • Catherine Blackburn • Inger Blix Kvammen • Dempsey Bob • Edgar Calel • Manuel Chavajay • Hannah Claus • Dana Claxton • Melissa Cody • Ruth Cuthand • Thirza Cuthand • Mique’l Dangeli et Nick Dangeli • Dayna Danger • Jeneen Frei Njootli • Maureen Gruben • Helen Haig-Brown et Gwaai Edenshaw • Marja Helander • Sky Hopinka • Maria Hupfield • Taiye Idahor • Ursula Johnson • Eleng Luluan • Balu Jivya Mashe • Mata Aho Collective • Siwa Mgoboza • Dylan Miner • Tracey Moffatt • Caroline Monnet • Peter Morin • Zanele Muholi • Joar Nango • Marianne Nicolson • Eko Nugroho • Sayo Ogasawara • Qudus Onikeku • Inga-Wiktoria Påve et Anders Sunna • Fernando Poyón • Fredrik Prost • Skeena Reece • Peter Robinson • Evgeniy Salinder • Sarah Sense • Skawennati • Ningiukulu Teevee • Joseph Tisiga • Tribal Women Artists Cooperative • Lucy Tulugarjuk • Rajesh Chaitya Vangad et Gauri Gill • Laakkuluk Williamson Bathory, Jamie Griffiths, Cris Derksen et Christine Tootoo • Will Wilson • Lisa Hageman Yahgujanaas

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