Côté jardin

Lorsque l’on regarde cette toile, on est submergé par sa richesse et sa complexité, bouleversé par autant d’enchantement pour l’œil dans une même œuvre. Pourtant, de façon surprenante, ce tableau évoque également l’actualité de l’époque en matière de science, de commerce, de politique et de religion, le tout par l’entremise des fleurs.

D’abord, comme tout jardinier s’en apercevra, ces fleurs ne s’ouvrent pas toutes en même temps, et donc, la peinture montre un condensé des saisons au jardin. Lorsque Brueghel a peint cette toile, il a peut-être eu accès à une nouvelle ressource visuelle… le Florilegium, livre illustrant les plantes ornementales vivantes. La science de la botanique – l’étude des plantes – émerge à l’époque comme domaine distinct de la médecine, et, pour la première fois en Europe, on s’intéresse aux plantes pour leur beauté plutôt qu’uniquement pour leur utilité.

Ce n’est pas une coïncidence que cet hommage à la beauté florale survienne dans la foulée d’un extraordinaire enrichissement de la palette botanique européenne avec des apports en provenance du Nouveau Monde (comme les Tagetes, aujourd’hui ironiquement appelées roses d’Inde) et du Proche-Orient (dont les lys à fleurs en turban, ou Lilium chalcedonicum, et, évidemment, les tulipes).

Dès 1562, on trouve trace des tulipes dans la ville flamande d’Anvers, où vit la famille Brueghel. Et ce sont dans une large mesure les horticulteurs flamands qui vont alimenter la « tulipomanie », spéculation financière hollandaise sur la production de bulbes de tulipes, un marché qui va connaître un effondrement spectaculaire dans les années 1630. Brueghel a peint cette toile alors que cette spéculation allait croissant, bien que, avec des fleurs en train de faner et des pétales épars, il fasse allusion à la vanité et à la fragilité des choses de ce monde. Et cette évocation spirituelle est renforcée par la prédominance de fleurs ayant des liens évidents avec la contre-réforme : les lys de la Madonne, les roses, les iris sont tous des emblèmes de la Vierge Marie, alors que les anémones, les pensées et les lis rouges représentent la passion du Christ.

Tous ces niveaux de signification dans cette beauté presque palpable…

Est-ce une œuvre d’art qui, d’un point de vue botanique, vous semble réaliste? S’agit-il d’un paysage que vous reconnaissez? Que s’y passe-t-il ?

Parlons d’abord des raisins. Si Vitis riparia, l’une des vignes indigènes de l’Amérique du Nord, croît effectivement au Québec, elle produit de petits fruits sombres qui plaisent plus aux oiseaux qu’aux humains. Elle a servi à créer des hybrides rustiques, dont les cépages Baco Noir et Maréchal Foch. Cette toile est une représentation de l’européenne Vitis vinifera, qui selon toute vraisemblance, n’était pas cultivée au Québec au XIX^e siècle.

On connaît la pratique de Légaré en matière de copies d’œuvres européennes. L’image des raisins, qui provient en fait d’un tableau italien de sa collection, a été superposée sur un paysage imaginaire. Toutefois, la végétation porte à réflexion : certaines feuilles vaguement palmées évoquent les érables, mais la plante piquante à gauche à l’avant-plan ressemble à une plante grasse semi-tropicale.

Aux époques classique et chrétienne, la vigne a des significations religieuses. En regardant la composition à travers une lentille spirituelle, peut-être sommes-nous en présence d’un paysage à connotation mystique.

Renommé pour ses peintures florales, en particulier de roses, Henri Fantin-Latour accède à la postérité à la fin du XIX^e siècle lorsqu’une rose centifolia rose pâle est nommée en son honneur, fleur toujours cultivée aujourd’hui.

La carrière de Fantin-Latour se déroule à une époque d’avancées en matière d’hybridation des roses. Sans doute encouragés par la célèbre roseraie de l’impératrice Joséphine à la Malmaison, les hybrideurs cherchent à allier la beauté et le parfum des roses anciennes à la longue floraison caractéristique des variétés moins rustiques en provenance de Chine. Le Bouquet de roses est peint en 1885, 18 ans après la création de la première rose dite « moderne ». Si, dans la toile, la forme des fleurs entièrement ouvertes illustre toute la plénitude et l’aspect relativement plat des roses anciennes, les fleurs partiellement écloses au centre et à la droite ont une structure convexe associée aux roses hybrides de thé, croisement moderne entre rose hybride perpétuelle et rose thé. Même s’il faut toujours douter d’une identification de plante à partir d’un tableau, je m’avancerai en suggérant que la fleur rouge foncé au centre est une rose ancienne appelée « Tuscany Superb ».

Traditionnellement, dans les natures mortes, l’image de la fleur déposée à côté du vase symbolise le caractère éphémère de la beauté terrestre. Avec cette œuvre, Fantin-Latour capte le charme évanescent des roses, pour que nous puissions admirer éternellement leur grâce sublime.

J’aimerais remercier l’artiste d’avoir intitulé cette charmante œuvre Les boutons d’or, car j’aurais dû, sinon, me creuser la tête pour trouver ce qui pouvait bien se cacher derrière ces Compositae jaunes non identifiées. Le monde est rempli de petites fleurs jaunes, généralement de la famille des tournesols, ou Compositae; appelés à identifier ces plantes, même les scientifiques les plus éminents doivent parfois s’avouer vaincus.

Cela n’aurait de toute façon pas rendu justice au tableau de McNicoll, puisque les boutons d’or ne sont pas des Compositae, mais font partie des Ranunculaceae (aussi connues comme famille des boutons d’or ou des anémones). Le bouton d’or le plus commun, ou Ranunculus acris, reste une fleur des champs et pâturages; dans les jardins, on trouve plutôt habituellement la renoncule des fleuristes (Ranunculus asiaticus), un tubercule qui produit des fleurs doubles dans des teintes allant du rose vif au rouge profond, en passant par l’orangé.

D’après la date du tableau, je suppose qu’il s’agit d’une scène croquée en Angleterre, bien que les boutons d’or soient maintenant présents partout en Amérique du Nord. En Alberta, ils sont considérés comme une mauvaise herbe nuisible, un poison pour les animaux d’élevage, et il faut éviter qu’ils soient ingérés par des animaux de compagnie ou des enfants. La sève peut également irriter la peau, ce qui explique pourquoi le fait d’appuyer une fleur de bouton d’or sur le menton, afin de savoir « si on aime le beurre », peut occasionner une légère rougeur.

Et aucune de ces préoccupations ne transparaît dans cet idyllique tableau d’une mère et son enfant, non ?

Je souris chaque fois que je regarde cette toile. Je note que l’artiste l’a intitulée Décoration, et non Jardin, et je ne m’attends pas à trouver son pareil dans une cour quelconque. Pourtant, il s’agit à mes yeux d’une transcription visuelle du plaisir que je peux ressentir en observant des fleurs une à une ou en remarquant comment les frondes d’une fougère suivent la courbe des clochettes d’une digitale (ou du moins, je crois bien que c’est une digitale, Digitalis purpurea albiflora, mais je peux me tromper).

Cette œuvre évoque également mon goût personnel pour les jardins blancs. Pour nous qui travaillons toute la journée, particulièrement, il est si agréable de rentrer à la maison à la tombée du jour, ou plus tard, à la clarté fraîche des fleurs blanches et au parfum de Nicotiana, entre autres, qui attirent les pollinisateurs nocturnes. Et l’ambiance très années 1930 de cette toile me rappelle l’un des plus beaux jardins du monde : le jardin blanc du château de Sissinghurst.

Il s’agit pour l’artiste d’un exercice plutôt technique, selon moi, avec une palette restreinte, des formes particulières et une bordure définie. Mais n’est-ce pas là l’essence même de la création d’un jardin?

LeMoine FitzGerald, dont toute la vie se déroulera à Winnipeg, développe au cours des étés passés à la ferme de ses grands-parents une passion pour la prairie. La ferme est située près de Snowflake, au Manitoba (au sud-ouest de Winnipeg, tout juste au nord de la frontière avec les États-Unis). Les visiteurs habitués au stéréotype de prairies planes et monochromes seront peut-être surpris par les couleurs et la composition de ce tableau.

La plante que j’ai immédiatement remarquée est la tige porte-graines brune au centre de la toile, et je l’identifierais a priori comme Dipsacus fullonum, la cardère des bois, non autochtone, aujourd’hui répandue dans toute l’Amérique du Nord. Face aux difficultés présentées par la perspective raccourcie et le feuillage stylisé, j’ai consulté un collègue pour m’aider à mieux reconnaître les végétaux. Il a répondu : « Je vois un pénis et une vulve ».

Ceci donne au titre, Vision des Prairies, une tout autre signification. Pour la majorité d’entre nous, la première exposition à la reproduction sexuée (par opposition à la reproduction végétative, alternative en horticulture) ne concerne pas les oiseaux ou les abeilles, mais bien les étamines et les pistils de la fleur. De tout temps, les fleurs ont eu une portée symbolique et, au XX^e siècle, les peintures florales de Georgia O’Keeffe sont devenues une référence en matière de célébration de la sexualité.

Cette interprétation détourne-t-elle les intentions de l’artiste? Je ne le crois pas, étant donné que l’artiste FitzGerald a fait cadeau de cette œuvre à une femme avec qui il avait une liaison à l’époque.  Mais elle m’a certainement amené à poser sur le tableau un regard nouveau et appréciatif.